Чем так ценны художники и почему новые технологии не заберут у них работу

Автоматизация процессов уже давно стала нормой во многих профессиях: машины становятся умнее и производительнее с каждым днем. Развитие технологий вызывает волнения среди творческих людей — художники боятся, что искусственный интеллект заменит человека в искусстве.

Однако это не первый случай в истории, когда технологии заставили художников переживать за будущее. Однажды причиной похожего переполоха стала фотокамера. И сегодня мы разберемся, как появление фотографии изменило облик творчества и почему не стоит бояться новых технологий.

Фотосъемка появилась на горизонте в XIX веке и стала одним из ключевых изобретений того времени. Она послужила катализатором прогресса в науке — благодаря ей появился рентген, томограф, были сделаны новые шаги в изучении космоса.

Фотография сыграла и значимую роль в искусстве, которое наконец стало доступным простому обывателю. Однако многие художники были не в восторге от нового изобретения и опасались, что останутся без работы.

История появления фотографии 

Принято считать, что начало фотографии было положено в 1839 году, когда Луи Дагер представил миру результаты дагерротипы, полученные им при работе с камерой обскура.

Эта технология позволяла запечатлеть изображения реального мира на пластине из серебра за счет его светочувствительности. Полученные снимки были далеки от фотографий в современном понимании, но произвели настоящий фурор в те времена.

Еще до изобретения дагерротипии ученые проводили эксперименты в надежде зафиксировать происходящее вокруг. Некоторым это удавалось: так, уже в 1802 были изобретены фотограммы. Однако, они были недолговечны, и попытки найти способ «закрепить» изображение на поверхности продолжались еще двадцать лет.

Первым человеком, которому удалось запечатлеть изображение на долгий период времени стал Нисефор Ньепс — создатель технологии гелиографии. Именно гелиография и легла в основу дагерротипии, а позже и фотографии.

Тем не менее, именно работы Луи Дагера были замечены и задали основное направление для развития фотографии. Как только изобретение представили общественности, дагерротипия начала быстро распространяться по всему миру, и вскоре стала доступна для коммерческих и промышленных целей.

Реакция общественности

В то время творческое сообщество было в раздрае. Более академичный классицизм уже терял свои позиции, а романтизм, хоть и был в ходу, уже не имел той же популярности, что и на ранних этапах его развития. Художники находились в поиске новых идей, по всему миру зарождались новые течения — социальный реализм во Франции и прерафаэлизм в Англии.

Кардинально новый способ изображения окружающего мира общество встретило с большим интересом, хотя отношение к фотографии было неоднозначным. Творческое сообщество разделилось на три группы.

Скептики

Часть людей считала, что фотоснимок не может считаться произведением искусства. Художники и критики отмечали, что это лишь результат машинной работы, без души и культурной ценности. Многие представители этого мнения видели в фотографии угрозу визуальному искусству.

Поговаривают, что на одной из первых презентаций дагерротипа французский живописец Поль Деларош выкрикнул из толпы: «Сегодня — день, когда умирает живопись!»

Действительно, фотография по мере своего развития обретала все больший коммерческий успех. Портреты, которые раньше считались роскошью и были доступны только высшим слоям общества, стали доступны большей части населения.

Аристократия тоже отказывалась от услуг художников, отдавая предпочтение инновационному методу. Почти сразу после изобретения дагерротипии во многих странах открылись первые фотостудии. 

Оптимисты

Другие художники относили фотографию к окологравюрным техникам наряду с офортом и литографией и были уверены в ее последующем становлении как самостоятельного вида искусства. Многие осваивали фотографию параллельно с живописью и активно изучали ее творческий потенциал.

Оппортунисты

К третьей группе относились те, кто считал фотографию полезным пополнением творческого инструментария. Вскоре после появления технологии многие стали использовать снимки в качестве референсов для своих картин.

Одним из известных примеров стало полотно Жана-Леона Жерома «Фрина перед ареопагом», основой для которой стала фотография французского фотографа Надара.

Услуги Надара пользовались популярностью у художников конца XIX века: к нему часто обращались с просьбой снять портрет человека, которого необходимо нарисовать.

Таким образом художники избавлялись от необходимости писать с позирующей модели и могли эффективнее планировать свою работу. Эта практика стала родоначальником сегодняшних фотостоков.

Сам Луи Дагер работал театральным художником и изобрел дагерротипию, чтобы упростить себе работу. Ведь для создания декораций приходилось писать полотна огромного размера, и использование камеры обскура помогало не терять общую картину при работе с деталями.

Влияние на живопись

Несмотря на то, что эмоциональный отклик живописцев на фотографию был живым и разнообразным, ее влияние на визуальное искусство этим не ограничилось — нужно было подстраиваться под новые реалии.

Многие живописцы 19 века, от прерафаэлитов до неоклассицистов, стремились к поражающей зрителя реалистичности. Однако с каждым годом камеры становились все дешевле, легче и проще в использовании, становясь доступными не только для профессионалов, но и для любителей.

К концу 19 века реалистичная фотография уже не считалась чем-то удивительным. Зритель стал воспринимать правдоподобное изображение жизни с меньшим восторгом, да и художники начали постепенно терять к реализму интерес.

Живописцы обратились к абстрактным течениям. Одним из самых значимых направлений, обязанных своим появлением фотографии, стал импрессионизм. Вместо изображения реальности такой, какая она есть, художники сконцентрировали свое внимание на том, как реальность воспринимается человеком.

Отчасти это было аргументом в пользу того, что «бездушный механизм» способен воспроизвести жизнь максимально точно, но не может передать эмоцию и субъективное восприятие мира.

Свобода

Художники сбросили с себя оковы репрезентации мира. Изменения, которые внесла фотография, дали им возможность изучать и использовать более экспрессивные методы рисования.

В 1906 году Пикассо писал: «Зачем художнику оставаться в рамках объектов, которые могут быть так точно запечатлены объективом камеры? Разве это не абсурд? Фотография достигла того момента, когда она может освободить художника от литературности, описательности и даже от самого объекта».

Точно так же и сегодняшнее положение вещей меняет работу художника, а не отрицает ее. Развитие современных технологий и внедрение нейросетей в творческий процесс позволяет ему отвлечься от решения технических задач и сфокусироваться на своей задумке. Так же, как кисть помогает точнее передать линии и идеи, искусственный интеллект является инструментом на пути к конечной цели автора.

Развитие

Прогресс технологии не только освобождал художников от оков точного изображения реальности, но и давал им повод развиваться. Публика неизменно продолжала сравнивать работы фотографов и художников, и это подкрепляло соперничество.

Многие художники, в том числе Матисс, Мунк, Дерен, искали вдохновение в том, что отличало статичное изображение на фото от живописи. В одном из писем Дерен признавался, что неестественность и однотонность цветовой гаммы его картин во многом были вызваны влиянием фото.

Это была эра фотографии. Это сыграло большую роль в нашем желании отвергать любое правдоподобное изображение жизни

 Денис Саттон  «Андре Дерен» 1959 г. 

Конечно, не все художники меняли свой стиль и идеи картин из-за развития фотографии — тяготение к более абстрактному видению мира начало зарождаться еще до ее появления.

Фотография как инструмент художника

Уже после первой презентации изобретения Луи Дагера многие пророчили, что теперь будет намного проще собирать библиотеку изображений для творчества. Некоторые использовали референсы открыто, зачастую заказывая снимки у фотографов.

Среди особо ярких сторонников такого подхода можно выделить Жана-Леона Жерома и Эжена Делакруа. Они не раз публично высказывались в пользу подобной практики и всячески ее поддерживали. Будучи преподавателем, Жером поощрял использование своими учениками фотоснимков как инструмента достижения эстетичного результата.

Некоторые художники не высказывались открыто на этот счет. Многие отрицали использование фотографий при создании работ, даже если это было заметно. Самым известным примером был бельгийский символист Фернан Кнопф.

Эмманюэль Эрнест Лакан сравнил такое отношение к фотографии с отношением к любовнице, которую мужчина любит, но скрывает.

Ускорение

Многие живописцы частично или полностью отказались от услуг позирования. В них больше не было необходимости, поскольку фотография позволяла запечатлеть позу быстрее, чем художник мог сделать это сам.

Делакруа, Сезанн, Мунк, Муха — все больше успешных художников отказывались от «садисткой» практики позирования в пользу скорости и точности.

Читерство

Некоторые шли дальше и максимально упрощали процесс создания картины. Франц Ленбах пользовался методом, который сейчас принято называть «обводкой». Он заказывал увеличенные снимки человеческих голов, с помощью специализированной техники наносил их на холст и рисовал поверх готового изображения. 

Новые возможности

Если раньше художники были вынуждены довольствоваться изображением неподвижных сцен и предметов, то они могли передавать динамику в своих картинах. Живопись перестала быть статичной.

В 1878 году Эдвард Мейбридж представил серию изображений с короткой выдержкой, на которой можно было отследить движения животных и людей поэтапно. Теперь художник мог проследить за движениями, которые раньше были недоступны человеческому глазу.

Работы Мейбриджа и его последователей вдохновили художников по всему миру. Считается, что именно с этой серии начался интерес Дега к изображению лошадей в нетипичных ранее, полупрыжковых позах. Распространилась тема батальных сцен, которые теперь стали динамичными и более «живыми».

Переосмысление

Фотография вдохновила художников «мыслить моментом». В работах многих авторов того времени прослеживается тема мимолетности, скоротечности времени. Этому послужила и концепция в целом, и приемы, используемые фотографами.

В работах живописцев различных течений той эпохи заметны новаторские решения: нетипичные ракурсы, обрезка, необычные композиционные идеи, свойственные скорее фотографии, нежели живописи.

Фотография не просто дала живописцам новые темы и возможности — она изменила взгляд человека на мир. Художники не мимикрировали под фотоснимки, а развивались творчески и учились смотреть под другими углами.

Влияние живописи на искусство фотографии

Конечно, связь между фотографией и живописью была двусторонней. Как только технологии достигли достойного уровня, появился жанр художественной фотографии — когда авторы искали вдохновение в более ранних видах визуального искусства. 

Одним из самых выдающихся направлений фотографии, черпавших идеи в картинах, был пикториализм. Фотографы-пикториалисты использовали приемы композиции, свойственные живописи, и экспериментировали со светом, пытаясь приблизить снимок к живописному полотну по его художественности.

Так фотография отстаивала свое место в визуальном искусстве и подчеркивала, что снимок — это не просто результат работы механизма. Фотографы делали акцент на том, что этим процессом управляет человек и конечный результат зависит от задумки автора. 

Возвращаясь к искусственному интеллекту, мы не можем ожидать, что машина предложит единственно возможный вариант, который донесет определенную мысль до аудитории.

В инструментарии художника есть важное орудие, которого нет у нейросети: эмоции. Именно через эмоциональную связь со зрителем можно добиться от картины желаемого эффекта, и только человек может понять, как установить эту связь.

Противостояние и симбиоз

Несмотря на то, что фотография быстро заняла свое место в искусстве, она не стала угрозой для живописи. Связь между этими видами творчества была очевидна, но каждая из сторон извлекала пользу из существования и развития другой.

Расширение границ

Даже сами авторы поднимали тему взаимоотношений между живописью и фотографией в своих работах.

Это хорошо прослеживается в полотне Томаса Леклера «Интерьер с портретами», законченном в 1865 году. На нем изображены двое детей, позирующих для фото в студии мастера. Стена за спинами моделей увешана картинами, но они частично скрыты гардиной, служащей фоном для фотографии.

На первый взгляд, картина иллюстрирует победу фотографии над традиционным портретом. Но при ближайшем рассмотрении видно, что работа полна надежды и веселья. Это отражается и в цветовой гамме, и в нелепой позе фотографа, склонившегося над аппаратом. 

Более того, оба ребенка на момент создания картины уже состарились и умерли. Вернуться в прошлое и сфотографировать их не представлялось возможным — и на подмогу пришла живопись.

Считается, что основная идея этой работы — показать контраст между фотографией и живописью. Если первая может точно и безошибочно документировать реальность, то вторая способна выражать видение мира в большем масштабе и расширять границы пространства и времени.

Эта разница в особенностях механической и человеческой работы применима к любому этапу развития технологий. Неважно, 19 сейчас век или 21: фотоснимок сам по себе может лишь задокументировать реальные события, а нейросети способны лишь учесть имеющиеся данные и подсчитать статистику, чтобы выдать логически удачные решения.

Для того, чтобы созданное изображение стало произведением искусства, необходимо участие человека. 

Действительно, новые технологии наверняка изменят мир — но это лишь очередная точка перегиба в динамике творчества. Приняв эту динамику, художник сможет изменить свой взгляд на искусство и оптимизировать рабочий процесс, сосредоточившись на действительно важном.