Четыре самые яркие эпохи и четыре самых ярких художника

Художник — человек, создающий прекрасное, и это — бесспорная истина.

 

Около 40 тысяч лет назад, в эпоху палеолита, люди открыли для себя безграничный мир искусства. Первобытная живопись была всего лишь инструментом для передачи информации, поскольку тогда еще не было привычных для нас средств общения. 

 

Творчество — невербальная форма коммуникации, с которой мы можем выражать свои чувства, переживания, демонстрируя всю красоту своего уникального «Я».

 

Все, что создает человек соотносится с определенным видом творчества. Что касается художественного направления — здесь особый подход. Художник воссоздает свое видение окружающего мира с помощью конкретного набора инструментов и стиля, который лучше всего подходит для сюжета.

 

«Человек умирает, его душа, не подвластная разрушению, ускользает и живет иной жизнью. Но если умерший был художник, если он затаил свою жизнь в звуках, красках или словах, — душа его, все та же, жива и для земли, и для человечества». Валерий Яковлевич Брюсов

 

Издавна картины живописцев служили элементом декора в богатых домах и рассматривались исключительно как предметы эстетики. Деятелей искусства ценили в высших слоях общества, ими восхищались и уважали.

 

Но, тем не менее, всерьез их никто не воспринимал. Считалось, что художник сам по себе — не более, чем «рисующая рука». Он всего-навсего запечатлевает конкретные образы на холсте.

 

Все изменилось приблизительно в 15-16 веках, когда темы для написания картины перестали быть обыденными, и наоборот — кричащими, революционными, призывающими к действию или осмыслению.

 

Место художника в мире изменилось. Люди искусства стали востребованы в политике, рекламе и просветительской деятельности. Они могли влиять на население и быть лидерами мнений. Впрочем, такое положение вещей сохраняется до сих пор.

 

Новаторство Леонарда Да Винчи (1452–1519)

Выдающийся итальянский художник, однако, он был не менее талантливым скульптором, инженером, архитектором и музыкантом. Да Винчи — яркий представитель гуманизма, идеал эпохи Возрождения.

 

Художники этой эпохи отличались своей любовью к реализму — наиболее точному изображению окружающего мира. Обладая острым умом и исключительной наблюдательностью, Леонардо Да Винчи был первым, кто применил научный подход в написании картин.

 

Перед тем, как делать какие-либо зарисовки, он подолгу сидел и анализировал, как устроен изображаемый мир, пытаясь объяснить каждую деталь. Художник одним из первых стал использовать закон перспективы, разработал новые способы для передачи света и текстур, в особенности технику сфумато (отличается мягкостью и плавностью очертаний предметов с помощью воссоздания окружающей их световоздушной среды).

 

«Мона Лиза» («Джоконда», «Портрет госпожи Лизы дель Джокондо»)

Это не только самая известная картина, но и легенда мирового достояния. Художественные критики оценивают картину размером 77x53 см в 820 миллионов долларов.

 

Что делает ее такой особенной? Главная черта картины — ощущение, будто она «живая». Где бы ни находился зритель, взгляд Джоконды сопровождает его.

 

Существует две теории об отсутствии бровей у Мона Лизы. Первая гласит, что брови у главной героини когда-то были, но в процессе реставрации их случайно стерли и не решились восстановить. Согласно второй версии, у нее не было бровей просто потому, что в те времена это считалось модным.

 

 

 

 

Несмотря на широкую популярность Леонардо Да Винчи, за всю свою жизнь он написал немного картин, а на сегодняшний день удалось сохранить не более 15.

 

Кроме того, основной заработок художника приносило вовсе не рисование. Он работал придворным инженером и изобретал различные приспособления для военного дела. Можно предположить что Да Винчи зарабатывал достаточно много, хотя материальное состояние его вовсе не интересовало.

 

«Живописец, смотри, чтобы алчность к заработку не преодолела в тебе чести искусства, ибо заработок чести куда значительнее, чем честь богатства». Леонардо Да Винчи

 

Диего Веласкес — от образов святых до нагих Венер (1599–1660)

 У испанского художника Диего Веласкеса довольно рано проявились способности к рисованию. Уже в возрасте 10 лет его отправили учиться в художественную мастерскую, где он изучил основы живописи.

 

Его карьера развивалась стремительно. Первые его работы были написаны на религиозную тематику — «Непорочное зачатие», «Христос в доме Марфы и Марии», «Воспитание Богоматери» и так далее. Помимо ортодоксальных сюжетов, Веласкес любил писать картины простых людей в бытовых условиях. Он ценил их естественность и душевность.

 

В 24 года художник уже писал портреты для короля Филиппа IV и стал придворным художником и камергером, что говорит о близкой дружбе короля и Веласкеса. Филипп IV настолько любил наблюдать за работой живописца, что в мастерской даже стояло отдельное кресло для короля.

 

«Венера перед зеркалом»

Или самая провокационная картина Веласкеса. Сегодня мало кого удивит изображение обнаженной женщины. Но в 17 веке в Испании за подобные сюжеты жестоко наказывали, вплоть до повешения.

 

Художник очень рисковал своим положением. Но идея, которую хотел донести автор, не останавливала его ни перед чем. Картина в буквальном смысле «пропитана» множеством аллегорий.

 

Согласно одной теории, девушка на полотне достаточно молодая, судя по спине. Хотя в зеркале отражается лицо взрослой женщины, которая явно не похожа на обладательницу этого тела. Возможно, таким образом Веласкес хотел сделать акцент на том, что красота не вечна.  

 

По другой теории, фигура в зеркале специально была не четко изображена, чтобы зритель сам «додумал» образ идеальной женщины, поскольку понятие о красоте для каждого индивидуально.

 

 

«Предпочитаю быть лучшим в изображении уродства, а не вторым в изображении красоты». Диего Веласкес

 

«Венера перед зеркалом» — единственная картина Веласкеса в таком жанре. По сей день появляются новые варианты интерпретации этого изображения. В этом и заключается прелесть всех шедевров — каждый находит в них свой смысл и ценность. 

 

Казимир Малевич (1878–1935)

Русско-украинский художник Казимир Малевич был самым настоящим революционером и поклонником современного искусства. Всю свою жизнь он разрушал привычные представления о написании картин и активно экспериментировал со стилями.

 

В начале 20 века Малевич ввел новый стиль абстрактного искусства — «супрематизм». Он отличается сочетанием простых геометрических фигур разных цветов, которые ассиметрично размещены на холсте. Художник считал, что сюжет «убивает» картину, а самое главное в живописи — цвет и фактура.

 

«Черный квадрат»

Полотно до сих пор вызывает у людей смешанные чувства. Ведь что такого необычного в черном квадрате? Почему он так популярен?

 

Такой славе способствовало несколько факторов. В первую очередь — время и обстоятельства. Революция в политике совпала с революцией в искусстве. Исторически сложилось, что художник был обязан угождать публике, создавая только то, что просто и понятно всем.

 

Малевич изменил статус художников в мире. Отныне главным было не общество, а сам творец — его видение и философия. Он негативно воспринимал картины в стиле реализма и утверждал, что истинный живописец не должен копировать окружающий его мир. Наоборот — он обязан создавать что-то новое, уникальное.

 

«Когда исчезнет привычка сознания видеть в картинах изображения уголков природы, мадонн и бесстыдных венер, тогда только увидим живописное произведение. Я преобразился в нуле форм и выловил себя из омута дряни Академического искусства». Казимир Малевич

 

Второе, что вызвало огромный ажиотаж вокруг «Черного квадрата» — его место на выставке. Картина размещалась в углу, где обычно христиане ставили иконы. Никто не хотел оскорбить чувства верующих — это был своего рода символ, который означал переход в новую «религию» в искусстве – модернизм и минимализм.

 

«Иконой» творчества стало отхождение от традиционных сюжетов, отдавая предпочтение незамысловатым формам и сочетанию различных ярких цветов.

Это был манифест о прекращении служению государству, религии и обществу. Художник более не должен иллюстрировать нравственный образ жизни, он волен изображать то, что ему угодно.

 

 

К слову, будучи всемирно известной личностью, у Малевича не было денег даже на посещение собственной выставки в Париже. Дорогу туда и обратно оплатило государство, а по приезду назад его арестовали за подозрение в шпионаже.

 

Бессознательность в работах Сальвадора Дали (1904–1989)

Сальвадор Доме́нек Фелип Жасинт Дали-и-Доме́нек, маркиз де Дали де Пу́боль — испанский художник-сюрреалист, известный своими необычными картинами и  неординарным подходом к изображению сюжетов.

 

Уникальность художника — в его способности пробуждать и интерпретировать образы своего подсознания во время бодрствования или сна. Этот метод он называл «параноидально критическим». Заключался он в пристальном и длительном осмотре предмета до тех пор, пока не начнутся галлюцинации — буквально доводя себя до психоза.

 

«Предел тупости — рисовать яблоко как оно есть. Нарисуй хотя бы червяка, истерзанного любовью, и пляшущую лангусту с кастаньетами, а над яблоком пускай запорхают слоны, и ты сам увидишь, что яблоко здесь лишнее». Сальвадор Дали

 

При разработке своего метода, Дали вдохновлялся исследованиями психоаналитика Зигмунда Фрейда. Художник был поражен возможностями человеческого тела и все больше старался познать тайны психологического анализа.

 

«Постоянство памяти»

Самая известная работа Сальвадора Дали. За всю свою жизнь живописец написал более 1000 картин, но они не были настолько узнаваемы. Можно долго размышлять, что именно привлекает в изображении, но бесспорно одно — наличие глубокого философского подтекста и обилие символики.

 

Здесь собирательный сюжет, так как запечатлены полюбившиеся для Дали символы. Среди них яйцо как «начало жизни», море — бессмертие, муравьи — гниение и смерть. Еще автопортрет самого художника и воспоминание из его детства — мыс Креус недалеко от родного города.

 

Часы — центральный образ, через который автор, вероятно, хотел передать относительность пространства и времени.

 

Воспоминания человека принято считать постоянными, однако они подвержены деформации по прошествию времени. Самое забавное то, что прообразом знаменитых расплывшихся часов стал завтрак Дали: всего-навсего сыр, расплавленный на тосте.

 

 

Сюрреалист был буквально «помешан на деньгах» — так называли его коллеги. Дали брался за любую работу, которая приносила деньги. Он оформлял рекламу, разрабатывал логотипы, среди которых — всеми известный дизайн «Чупа Чупс».

 

Более того, художник не оплачивал счета в ресторанах и не платил своим секретарям зарплату. Вместо чека Дали оставлял свои небольшие скетчи, считая что они куда ценнее любой суммы денег. В итоге так и получилось — нарисованные на скорую руку наброски принесли их владельцам много денег.

 

Вывод

Влияние художников на мир очевидно. Своими картинами они способны не только обращать внимание на общественные проблемы, но и менять мировоззрение людей.

 

Самое главное — труд автора и заложенный в него замысел будет менять умы людей еще долгие века. Даже сейчас шедевры живописцев не остаются в стороне: благодаря им мы у нас есть представление о нашей истории, о ценностях предшественников.

 

Произведение живописи — это язык, на котором говорят все.