Зачем художникам смотреть кино и почему это не просто отдых
Зачем художникам смотреть кино и почему это не просто отдых
Искусство существует столько, сколько и человечество. И все эти годы художники влияли друг на друга. Они учились, крали, вдохновлялись творчеством друг друга. Целое направление или всего одна картина могут стать почвой для чего-то нового. И, конечно, самые искусные воришки из всех — это кинематографисты.
Мы привыкли к тому, что видим живопись, скульптуру, архитектуру в кино: история идет по кругу и маститые киноделы возрождают в своих картинах давно забытые образы. Но вот вопрос: может ли художник поступить так же и взять фильм за основу своего творчества?
Большинство людей смотрят фильмы не просто ради развлечения. Через кинематограф мы изучаем красоту, узнаем больше о мире и самих себе, ощущаем свою причастность к обществу. Спроси себя: как художник, что ты получаешь от кино? Возможно, ответ не будет очевиден. Разобраться с этим мы сейчас поможем.
Давай начнем с самого очевидного сходства в работе над фильмом и картиной. Будь то режиссер, оператор-постановщик, комиксист или иллюстратор, главное средство выражения идеи в изобразительном искусстве — это визуал.
Авторский стиль
У любого выдающегося режиссера есть собственный узнаваемый стиль. Тим Бертон, Уэс Андерсон, Квентин Тарантино — фильм каждого из них имеет ряд отличительных черт. Их не спутаешь ни с кем другим.
Стиль Уэса Андерсона, например, вырабатывался долгие годы, но стал известен на весь мир после знаменитого «Отеля Гранд Будапешт». Насыщенные цвета, акцент на симметрию или ее нарочитое отсутствие — фирменный знак его работ. Каждый кадр четко выверен и уже сам по себе производит впечатление законченного произведения.
Такие фильмы смотреть приятно и интересно, во время их просмотра из зрителя на полтора-два часа превращаешься в арт-критика. Это чувство прекрасного, которое не смотрит свысока, а находит отклик в твоем сердце.
Художнику полезно замечать персональный стиль других авторов, в том числе и в кино. Когда в следующий раз будешь смотреть кого-нибудь из именитых режиссеров, сосредоточься на своих ощущениях. Попытайся понять, какие эмоции у тебя вызывает картинка. А затем проанализируй, как автор добился такого эффекта.
В «Отеле Гранд Будапешт» легко читается озорство. Даже несмотря на то, что сюжет порой принимает драматический оборот, весь фильм — первоклассная шалость в чистом виде. И решения, принятые оператором-постановщиком и художником по фотографии — далеко не последние в списке вещей, которые рождают это чувство.
Такое же ощущение причастности к чужой шалости возникает при просмотре фильма «Амели». Цвет, свет, работа с кадром, образ главной героини — все это идеально дополняет историю, делая ее легкой и нарочито неправдоподобной.
А вот фильмы Ричарда Айоади создают совсем другое настроение. Сам Айоади — известный комик, стендапер, актер комедийного жанра. Но в своих киноработах он производит впечатление опытного драматурга, который изучает и препарирует человеческую душу.
В кадре Айоади тоже есть место юмору, что видно по театральности обстановок и нелепому внешнему виду персонажей. Но тем не менее каждая сцена сквозит непонятной тоской и внутренней скомканностью.
Такой ансамбль из забавных, милых образов и грамотно расставленных драматических акцентов — отличный пример того, что художнику нужно видеть в фильмах.
В одной из сцен «Субмарины» мы видим главного героя Оливера, одетого в пальто и сидящего в ванне посреди улицы. Сам по себе кадр абсурден и комичен, но композиция помогает нам понять «скомканное» состояние персонажа. Границы ванны сходятся в одну точку, помещая Оливера в замкнутое пространство. Усиленная перспектива показывает нам, как его затягивает в сети фрустрации и тихого отчаяния.
Фильм — инструмент обучения
Даже если за фильмом не стоит громкого имени, он представляет художественный интерес. Существует ряд средств, которые одинаковы для всех изобразительных искусств, но особо пристально изучаются именно в кинематографе. Одно из таких средств — это свет. Он безусловно важен для художника, но при создании фильма играет критически важную роль. Это не только способ создать необходимый эффект: без него просто невозможно снять кинокартину.
Именно поэтому режиссеры уделяют свету особое внимание, находя ему новые применения. Внимательный художник замечает необычную работу с освещением.
Наблюдая за игрой света в фильмах, ты расширяешь кругозор и меняешь представление о том, как с ним работать. Это помогает почерпнуть новые идеи об источниках освещения, символике, композиции всей картины.
На кадре из оскароносного фильма «Как трусливый Роберт Форд убил Джесси Джеймса» можно отследить грамотную и эффектную работу с мотивированным освещением. Это прием, при котором искусственный свет делают менее заметным глазу, обозначая логичный источник освещения: в данном случае фонарь. Зритель не задумывается о том, откуда берется основная масса света, потому что в кадре есть этому некое объяснение.
Подобные детали помогают лучше понять, как работать с тем или иным приемом на каждом этапе создания работы. Это упрощает процесс и делает конечное изображение технически проработанным.
Более того, кино — это идеальная библиотека референсов, которая улучшает твою насмотренность и заставляет анализировать порой неочевидные вещи. В процессе просмотра ты видишь не отдельные кадры, а движущееся изображение. Таким образом можно заметить, как меняется освещение и цветовая гамма, от чего зависит поза человека или перспектива в кадре.
Иногда смотришь фильм и в какой-то момент видишь кадр, который пробирает до дрожи. Его хочется зафиксировать в памяти или даже заскриншотить. Фиксируй, делай скриншоты, используй их как референсы для учебных работ — так ты лучше поймешь, чем именно тебя зацепил этот момент и как ты можешь добиться того же в своих картинах.
Если кадр из фильма «цепляет», часто это не связано с сюжетом напрямую. Именно ряд гармонично использованных визуальных приемов подчеркивает нужную эмоцию и делает сцену эффектной.
В кадре из фильма «Форма воды» визуальная составляющая удачно подчеркивает сюжетную линию. Использование комплементарных синего и красного, контрастный фрейминг и холодное освещение на лице героини притягивают взгляд зрителя.
Тема творчества в искусстве
Многие фильмы имеют ценность для художника, даже если не брать в расчет визуальную составляющую. Во все времена авторы поднимали важную тему автора и искусства.
Зачем мы рисуем, пишем музыку, снимаем кино? У каждого на это свой ответ, и это может помочь тебе найти себя в творчестве. Сатирический хоррор «Бархатная пила» показывает, как относятся к искусству разные люди и что может изменить их восприятие. Это сюрреалистичная история о художнике, чье творчество влияет на зрителей, заманивает их и пожирает — в прямом и переносном смысле.
А чего стоит знаменитая сцена из «О чем говорят мужчины», где главные герои обсуждают значение современного искусства! Весь фильм нацелен раскрыть образ «простого человека» и того, что его волнует. И в этой сцене мы видим гиперболизированный и искаженный взгляд на творчество — со стороны как зрителя, так и создателя.
И ведь эта сцена — это повод не только улыбнуться, но и со здравой долей юмора посмотреть на свои работы: как к ним отнесется зритель? Такие фильмы пробуждают критическое мышление и помогают вспомнить, для чего ты рисуешь.
А есть кино, которое помогает справиться с творческим кризисом. Ведь не всегда мы готовы пробиваться, учиться и здраво критиковать себя. Бывает, что поток творческих сил иссякает, и в эти моменты можно обратиться к кинематографу как к психологу или близкому другу.
Один из таких фильмов — «В супе» Джима Джармуша. Это история человека, который пишет сценарий и мечтает снять кино. Он хочет сделать все правильно, создать легендарный шедевр — но все идет наперекосяк. У него есть муза и друг, и вся его жизнь крутится вокруг написания сценария; он «непонятый гений», работами которого не интересуется ни один продюсер. Весь фильм — это философское путешествие в попытке найти себя.
Часто мы забываем, что художник — это в первую очередь человек. И в погоне за великим легко упустить из виду то, с чего начинается любое творчество. Фильмы вроде «В супе» помогают понять себя, напоминают о роли личности автора в искусстве.
Красота в глазах смотрящего
Красота — понятие относительное. Британский писатель К.С. Льюис (автор серии «Хроники Нарнии») писал в книге «Эксперимент в критике»: «Каждый из нас по своей природе видит мир лишь под одним углом, свойственным конкретному человеку. Иногда мы хотим видеть мир глазами других людей, воображать так, как сами не воображаем. Мы хотим чувствовать сердцами чужих людей, а не только своим собственным. Нам нужны окна».
Одним из таких «окон» как раз и является кинематограф. Когда ты видишь окружающий мир только с одной стороны, сложно увидеть красоту в привычных для тебя вещах. Кино — это не просто окно, а увеличительное стекло. Через него мы можем рассмотреть обычные, повседневные вещи и заметить в них неожиданно прекрасные детали.
В фильме «Седьмой континент» режиссера Михаэля Ханеке мы видим множество совершенно нормальных локаций и действий: накрытый для завтрака стол, руки рисующего ребенка, разговор между коллегами. Но все эти действия пропитаны атмосферой сюжета и имеют особую эстетику. Ханеке дает нам возможность увидеть обыкновенную жизнь австрийской семьи под другим углом.
В «Седьмом континенте» диалоги сведены к минимуму, и внимание зрителя сосредоточено на визуальной составляющей. Большинство сюжетных поворотов и причин для действий героев мы узнаем из тех простых действий, что видим в кадре.
Человек, который не привык видеть красоту в окружающих вещах, не замечает ничего вокруг или замечает только уродливое. Такой человек просто не умеет воспринимать мир иначе: ему не хватает насмотренности. Чем больше ты смотришь кино, тем лучше понимаешь, как простое сделать изящным и осмысленным, а сложное и необычное сбалансировать, избежав перегруза.
Документальное кино
Наконец, еще один очевидный источник информации для художника — это документальные фильмы об искусстве. Это жанр уже давно перестал был сухим и фактическим: сегодня такие вещи смотреть не только познавательно, но и интересно.
Документалки расскажут тебе то, что ты сам захочешь: это может быть история искусства, биография конкретного автора или разбор творческих дилемм и споров. Например, можно начать с фильма «Искусство воровать». Это биографическая картина о жизни Альберта Барнса — основателя всемирно известной художественной галереи — и скандале, который развернулся вокруг его коллекции картин.
Подобные вещи не только заставляют задуматься о роли искусства в жизни людей и взглянуть на него с различных ракурсов, но и дают полезную информацию. Так, из «Искусства воровать» ты узнаешь о коммерческих и легальных особенностях творческих профессий и том, как реакция публики напрямую влияет на искусство.
А если уж совсем боишься заскучать за просмотром документалки, попробуй посмотреть что-нибудь вроде «Красота — это немного стыдно». Это занимательная, забавная и остроумная история Уэйна Уайта — человека, примерившего на себя множество творческих амплуа.
От мультипликации и кукольного дела до дизайна и живописи, ты пройдешь с ним весь путь. Но фильм не будет занудно поучать или грузить историческими фактами. Это картина не столько об искусстве в академическом смысле, сколько о творческом поиске и ценностях, которые помогают создавать.
«Красота — это немного стыдно» показывает не результат работы Уэйна, а жизненные события и размышления, которые привели его к творчеству.
Какой бы дорогой ты не пошел — художественное кино или документальное, мультипликация или артхаус — это принесет тебе пользу. Никто из нас не знает точную формулу успеха, ни один творец не является бесконечным потоком креативных идей. И это нормально. Художник смотрит, перерабатывает и пробует, чтобы в итоге создать что-то совершенно новое.
Так что не стоит ограничивать себя в поиске вдохновения и полезных советов. Ты не обязан все придумывать сам или учиться рисовать только по другим картинам. Иногда можно совместить эти процессы с просмотром хорошего фильма в отличной компании друзей или самого себя.
Шпаргалка для художника: 15 видов композиции с визуальными примерами
80 лет назад художник Эдгар Пейн написал книгу «Композиция наружной живописи». Она до сих пор считается одной из самых важных книг для художников. В ней Пейн излагает множество композиционных теорий и предполагает, что большинство композиций можно отнести к одному из 15 архетипов. Несмотря на то, что эти композиции ориентированы на пейзаж, они применимы ко всем видам искусства.